ARTMOTIV

Pinta

camaleonV — 2010-06-04T15:12:43Z

Vidal Bedoya

camaleonV — 2010-06-04T15:09:16Z

Sonia Prager

camaleonV — 2010-06-04T14:59:38Z

El renovado Museo de Arte de Lima

camaleonV — 2010-06-04T14:29:02Z

Exposiciones – Instalación de abril a junio 2010

Una de las noticias más comentadas y esperadas en el campo de la cultura, y sobre todo de las artes, fue la reapertura del MALI después de un prolongado cierre, gracias al apoyo significativo e inusual del Estado mediante el Plan Copesco del Ministerio de Comercio Exterior y Turismo del Perú, con una suma de seis millones de soles. Acabada la primera etapa, el museo tuvo la excelente idea de reabrir sus puertas al público con tres exposiciones y una instalación en sus rejuvenecidas salas, ubicadas alrededor del patio central, producto de los planos diseñados por el arquitecto Emilio Soyer, elegido mediante concurso.

Las exposiciones, abarcadoras de gustos y campos distintos, incluyen Portraits de Mario Testino, fotógrafo peruano de nivel internacional –profusamente comentada por la prensa–; Camilo Blas. El dibujo indigenista , con grabados, acuarelas y bocetos de este artista cajamarquino; y De Cupisnique a los incas. El arte del valle de Jequetepeque , dedicada al arte precolombino en esta zona de la costa peruana. La instalación Monumentos vandalizables: abstracción de poder III –obra “estrella” que recibe a todo el que ingresa al museo– pertenece al artista visual José Carlos Martinat. Se trata de un conjunto de edificios estatales a modo de una maqueta.

Esta obra fue presentada en un blanco virginal con la idea de que fuera “vandalizada” por quien pasara y la contemplara, como parte de una dinámica crítica o de diversión. Solo concitó la atención de la prensa mediática cuando uno de los invitados “estelares”, el presidente Alan García, la intervino dibujando una estrella –símbolo de su partido político– dando por inaugurada la obra junto con el renovado museo. Posteriormente la estrella fue alterada por un graffiti que decía “lacra”, entablándose una excepcional relación crítica muy comentada.

Felipe Mayuri Poma

3399 msnm hoy

camaleonV — 2010-06-04T14:29:00Z

Muestra colectiva, Sala Grande del Qorikancha - Cuzco

No es fácil juntar en una sala de exposiciones a 14 artistas menores de 35 años. Sobre todo si se ubica a 3.399 msnm, en la ex capital del ex imperio donde, según el dicho popular, la envidia es más fuerte que el cólera.

El curador y principal responsable de la muestra 3399 mnsm hoy es el joven artista local Jorge Flores Nájar. Sus 13 apóstoles son: Mabel Allain, Xavier Cano, José Luis Ccoto, Gustavo Fernández, Edwin Huamán, Nico Marreros, Félix Martínez, Amira Prada Eslachín, Ángela Ramos, Juan Salas, Valerie Velasco, Alfredo Velarde y Gustavo Vivanco.

La idea del proyecto consiste en mostrar un corte transversal del arte joven en el Cuzco, exhibiendo un trabajo de cada artista convocado. Los integrantes de la exposición no forman un grupo sólido. Varios de ellos se conocieron por primera vez gracias a esta muestra.

La gran obsesión de la escultora Amira Prada es la búsqueda renacentista del ser perfecto. El resultado, no obstante, es un tanto distinto de las vírgenes de Rafael. Les presento a Panfredo, el presunto último profeta, cuya biografía es tan nebulosa que se duda hasta de su misma existencia. El ídolo de los esotéricos y ocultistas, el engreído de la New Age. Como todo ser perfecto (según Amira) es andrógino. Su enorme cabeza con rasgos definitivamente no muy humanos, señal (también según Amira) de sabiduría suprema, se une través de un largo y frágil cuello de insecto con el grácil cuerpo, lleno de llamativas curvas femeninas. Panfredo posa sobre una nube, de espaldas al público, de cara hacia la creación divina, mostrándonos indiferentemente su ondulada parte posterior. ¿Qué dirían los ocultistas?

De lo universal a las raíces telúricas. Hace menos de un año la pintora cuzqueña Valerie Velasco dio a luz a Erminia, la “chola-power”, personaje de cómic y diseño gráfico, un aporte significativo al naciente pop andino. La dinámica e intrépida mamacha, guerrera, emprendedora y burlona, además de ganarse espacio en el mundo digital (http://laerminia.wordpress.com), apareció en una serie de lienzos expuestos el año pasado en la misma sala del Qorikancha. El trabajo integrado en el proyecto 3399 msnm , titulado Erminia en cera apacuy , es continuación de esta serie.

La indudable estrella del conjunto es el almirante Grau, interpretado por Jorge Flores Nájar en un trabajo compuesto de pintura, escultura y video arte, bajo el nombre “De fábulas y frutos”. La conmovedora e irreverente fusión de los héroes nacionales con los superhéroes de consumo masivo es una constante en el arte de Jorge Flores desde hace varios años. Las caricaturescas láminas escolares se han mezclado con los muñecos de plástico de la infancia y con los dibujos animados, todos ellos a su modo juguetes de la retórica visual, dando vida a unos tragicómicos híbridos, los invencibles y gloriosos perdedores de la historia.

Vera Tyuleneva

Välparaíso: InTERvenciones

camaleonV — 2010-06-04T14:28:58Z

Dentro de las actividades del Congreso de la Lengua Española que se iba a celebrar en Valparaíso en marzo de 2010, la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (Seacex) concibió este proyecto artístico que convocaría a artistas de España y América Latina, cuyos trabajos tuvieran una fuerte relación con el lenguaje y la palabra.

El sismo que afectó a Chile la noche del 26 de febrero suspendió la realización del congreso y de las actividades vinculadas que se realizarán en forma virtual. Con el propósito de contribuir a retomar la normalidad del puerto y de los ciudadanos, y en solidaridad con Valparaíso y Chile, la presidenta de Seacex, Charo Otegui, se reunió con los artistas y curadores participantes (Jorge Díez, José Roca y Paulina Varas) y decidió continuar con el proyecto “como una forma de incorporar el arte a la recuperación después de la terrible tragedia”.

Este proyecto se basa en el modelo de trabajo del proyecto Cart[ajena], realizado con motivo del congreso anterior en Cartagena de Indias (Colombia) en 2007, de acuerdo al cual los artistas viajaron a la ciudad, permanecieron en ella como grupo, familiarizándose con el trabajo de los demás y con el contexto urbanístico, arquitectónico, social, político y cultural, para luego producir obras nuevas o adaptar obras anteriores.

Välparaíso: Intervenciones surge de la confluencia de tres factores principales: los artistas, escogidos siguiendo el criterio de que el lenguaje y la palabra fueran importantes en su obra; la ciudad de Valparaíso, que proporciona el contexto cultural y urbano; y el Congreso de la Lengua Española, que provee un marco temático, aunque este proyecto es independiente del congreso como tal.

El título tiene dos componentes: la primera parte retoma el nombre de la ciudad y mediante un sutil cambio ortográfico lo transforma en un neologismo; la segunda plantea la intervención artística en la ciudad como una instancia de invención. La idea, al igual que en el proyecto Cart[ajena], es causar extrañeza en quien lee el nombre de la ciudad mediante la introducción de un elemento gramaticalmente incorrecto. Para ser consistentes con el proyecto original, se propone mantener una homofonía con el nombre de la ciudad, recurriendo a una ortografía alterna con el propósito de generar una extrañeza visual.

La diéresis era una licencia poética muy usada en el siglo XIX para extender la duración de una letra en un verso, y es interesante invocar este anacronismo en el contexto del Congreso de la Lengua Española. La pronunciación fonética, leída en tono irónico, es “Va al paraíso”. Se trata también de pensar la ciudad como un lenguaje por descifrar, traducir e interpretar por parte de los artistas, a partir de las intervenciones urbanas como invenciones de distintos imaginarios sobre la ciudad. Se ha trabajado principalmente en el área que va desde el Museo Naval hasta la sala de El Farol de la Universidad de Valparaíso. La mayoría de las propuestas se sitúa en el Centro Histórico, en un eje este-oeste, paralelo a la bahía. Algunas de ellas se han desarrollado en los cerros aledaños a este núcleo y en distintos emplazamientos del espacio público de la ciudad.

Arte Peruano en Alemania

camaleonV — 2010-06-04T14:28:57Z

Galería Siguaraya - Berlín, Alemania

En el imaginario colectivo la planta de coca está relacionada con la droga, el narcotráfico, el lavado de dinero, el dinero fácil y la corrupción, pero un grupo de artistas andinos que expone en Berlín la defiende como marca de la identidad ancestral de sus culturas.

La Galería Siguaraya ha convocado en la muestra La mata que no mata – La planta de la coca en el arte a varios artistas latinoamericanos que exponen por primera vez su obra en Europa de manera conjunta, y cuya vinculación se establece a partir del interés por este producto milenario y controvertido.

Interesado en el arte latinoamericano, Alejandro Villalón, galerista y curador de la muestra, abrió la galería anfitriona en el año 2007 y descubrió que: “Hay una tendencia, sobre todo en el arte colombiano de la última década, de utilizar la planta de la coca para expresar determinadas ideas”. Pero además de los artistas colombianos Edinson Quiñones y Marcelo Verástegui, la exposición cuenta con la presencia del enfant terrible del arte boliviano Gastón Ugalde; de Lucía Falconi, una ecuatoriana radicada en Munich; y de los peruanos Belinda Tami, Héctor Acevedo y Vidal Bedoya, entre otros.

El visitante podrá observar obras realizadas y pigmentadas con hojas de coca que, contrariamente a lo que podría suponerse, no hacen apología de la droga sino que se constituyen en una crítica hacia el consumo y las políticas de algunos gobiernos con respecto a su consumo. artmotiv

Mario Silva

camaleonV — 2010-06-04T14:28:56Z

Galería Dédalo del 31 de marzo al 15 de abril 2010

En esta exposición el fotógrafo Mario Silva utiliza dos métodos habituales de la postmodernidad: la apropiación y la recontextualización para crear imágenes que son simultáneamente leíbles y visibles.

Propone a la semilla como contenedora de la memoria cultural y a su germinación como la reactivación del acto mismo de recordar. Describe sus tomas como minimal-baroque o barroco-mínimo, término que alude a un estilo “entre las Líneas de Nazca y el altar colonial”.

Las referencias cartográficas apuntan a un reordenamiento de valores y de sistemas pasados, líneas que encierran temporalmente la “impermanencia” del signo-espacio y que estabilizan los estratos de fragmentos inestables.

El conjunto sugiere la representación de una realidad anterior, una realidad que ya no existe más allá del marco de referencia. La imagen como evento sustitutivo del sentido colectivo de historicidad, esa historia que ya no nos pertenece, que existe solo en la imagen y que hace referencia a ella misma.

Diego Lama

camaleonV — 2010-06-04T14:28:54Z

Galería Lucía de la Puente del 10 marzo al 10 de abril 2010

No dejar de mirar y pensar qué se mira, para no dudar que se ha mirado. No mirar es perder pero, al final, ¿qué es perder? Si perder es un arte para aquellos que son capaces de dominar algunas cosas perdidas

Diego Lama, artista y director de sus pasiones, pertenece a la nueva generación del videoarte. El rasgo más evidente de su discurso crítico es su lenguaje visual, el cual implica una dinámica reflexiva que va mucho más allá de la imagen. Su obra está cargada de conciencia de la identidad, ya que ser testigo y protagonista del desajuste de pertenecer a un mundo cultural puesto en paréntesis le permite definir el sentido de lo irrecuperable.

Esta vez se enfrenta a una realidad que transgrede la visión sedimentada del artista. Nos ofrece la recreación de un escenario que cuestiona a una sociedad que se desborda, un mundo en el que la opulencia se superpone y contribuye a la deconstrucción de la política y de la identidad cultural del hombre. Diego Lama, sin miedo a los límites, representa a ese inexistente grupo que tiene la conciencia de contar o denunciar “eso que sí está pasando”, confiado en su capacidad representativa que respalda su discurso y le da sentido.

Refleja una composición más compleja en cuanto a recursos empleados y a distribución en el espacio, puesto que utiliza la fotografía, el video y una reflexión casi poética de una realidad que golpea al país. Hace evidente la yuxtaposición de elementos oscilantes y materiales frente al pensamiento más romántico del artista. El espíritu libre y sin pudor que se rescata de la obra, como sus ganas de “salirse con la suya”, rompen con las reglas convencionales. Reglas que se distinguen en el juego que se ha armado para quienes quieren jugarlo. De manera concreta, crítica con lujo al “lujo” de aquellos que deshacen los elementos que constituyen la estructura de la cultura sensible.

El artista presenta, espontáneamente o con intención, tres momentos. El primero, una obra-video en la cual hace uso del plano-secuencia, recorriendo los interiores de la Casa de Correos y Telégrafos de Lima, declarada patrimonio histórico del Perú. Recurre a la cámara “mareada” para explorar y atravesar puertas jamás abiertas y ajenas al conocimiento de muchos, hasta conocer lo más íntimo del edificio: la situación catastrófica en la que se encuentra y el caos que disfraza.

Las fotografías en gran formato corresponden al segundo espacio llamado “Los pasos perdidos”. Nombre atribuido a la función que desempeñaban todos los salones de entrada de los palacios gubernamentales. Espacios de transición, cuyo fin era solo transitar hacia otras salas de reunión. Estos cuadros-fotos muestran la necesidad de los aparatos de poder de resaltar su imagen, imponerse y engrandecerla, esta vez con un arte recargado como el barroco. Un arte que no soporta espacios vacíos y que, por ende, tiene la necesidad de saturarlos. Espacios virtuosos en iluminación y detalles como el Salón Dorado y el Salón de los Espejos, representando ambientes que solo algunos son capaces de gozar.

La perspectiva de planos, la sensación de profundidad y el tamaño de cada imagen se imponen con grandeza ante el espectador. Frente a ello resalta, por oposición, la fotografía de la Estación Desamparados, reconocida hoy como espacio dedicado a la cultura; sin embargo, irónicamente, es la imagen más pálida, sombría y que se aprecia con una mirada llana, sin mayor perturbación o asombro.

Hacia el fondo de la sala una pequeña habitación. Es, precisamente, en este tercer segmento donde el artista deja su huella, consiguiendo unir en una imagen-detalle tanto el video como la fotografía que lo singulariza. Conforme nos acercamos más al pequeño marquito que encierra la imagen, logramos distinguir uno que otro elemento hasta que nos percatamos de que se trata de un fragmento de una o varias pinturas. Efectivamente, a propósito o al azar, Diego Lama utiliza un detalle de diversas pinturas realizadas por un Daniel Hernández, un Abelardo Álvarez y un Ignacio Merino. Todos reconocidos artistas peruanos de una determinada época, no por la sociedad sino de parte del alto rango. Personajes que retrataron a su presidente, que caminaron por salones parisinos y que dejaron su obra en los espacios de poder. Sin embargo, en la realidad, mientras no exista un poder que no responda a las necesidades sensibles e inteligibles del hombre, más grande será la llama que nuble la vista del que aprecia y más pequeña la imagen que se pueda rescatar. Finalmente, el artista ha logrado transmitir un mensaje conciso pero cargado de fuerza, y a la vez íntimo por la complicidad con el observador. Un mensaje provisto de una estética tremendamente personalizada y de exploración del lenguaje. Un video en tiempo real y una imagen que se destruye, que se quema, que arde. Y es que cuanto más crece la llama más quema, cuanto más quema más destroza y cuanto más destroza menos rastro queda y más rápido se olvida. Es la derrota del arte y la creciente llama del poder, porque “el arte de perder no cuesta nada”

Gabriela Díaz Palma

Joaquín Gonzales

camaleonV — 2010-06-04T14:28:52Z

Hotel Eco Cuzco - junio 2010.

Joaquín Gonzáles Velarde, con una larga trayectoria en el Perú y el extranjero; quien nos trae la muestra titulada “Tema cultural”, a través de la cual recrea el lenguaje iconográfico precolombino, empleando los símbolos y una gama muy rica del color con un estilo propio, creativo y armónico; dejando ver su profundo conocimiento en las culturas que nos precedieron en la historia y su impecable técnica pictórica en la abstracción figurativa.

Esta exposición la organiza la Galería de Arte Apacheta, con el deseo de continuar promocionando y difundiendo la obra de artistas peruanos, así como el apoyo continuo de la cultura en la ciudad del Cusco.

artmotiv